『ハイウェイ』（1999年）

本特集では、東京国際映画祭でグランプリを受賞した『トルパン』から、若手作家の作品まで、現在進行形のカザフスタン映画に触れることができます。日本未公開作多数、貴重なカザフスタン映画をこの機会に是非！！

中央アジアでいま最も注目すべきカザフスタン映画を見逃すなかれ！！

『ギフト・トゥ・スターリン』（2008年）

■

会期 平成２２年 ７月 １６日（金）～１７日（土）［２日間］
会場：アテネ・フランセ文化センター（御茶ノ水）
主催：カザフスタン映画上映実行委員会
（第５回映画上映専門家養成講座　シネマ・マネジメント・ワークショップ２００９）

ＨＰ：http://www.geocities.jp/kazakhstan2010/

< 上映作品>

『トルパン』（2008年）

7/16（金）
13:00 ハイウェイ（一般・会員共 当日券のみ￥700）
14:30 僕の無事を祈ってくれ（一般 当日￥1300／前売 ￥1100、  会員 ￥900）
16:30 若手監督短編集（一般・会員共 当日券のみ￥700）
19:00 パッチワーク（一般 当日￥1300／前売 ￥1100、  会員 ￥900）

7/17（土）
13:00 トルパン
15:20 ギフト・トゥ・スターリン
17:30 マイ・ディア・チルドレン
（各回：一般 当日￥1300／前売 ￥1100、  会員 ￥900）

※前売り券は、アテネ・フラン セ文化センター、ユーロスペースにて販売中

こども映画教室2009＜中等クラス＞がいよいよ３月に開催！　こどもたちでプロの指導のもと、映画をつくって上映まで行います。特別講師の諏訪敦彦監督は フランスを中心に活躍する諏訪監督は、シナリオを使わずに役者が演じる、「即興（そっきょう）」という演出方法で有名な監督です。先日、２回目の打ち合わ せを東京でしましたが、「即興やろうか？！」という話も出ていて、こどもたちと諏訪さんと、いったいどんな方法で映画作りをしていくのか？！ 相当にエキサイティングなものができるんじゃないかと期待でわくわくしています。「映画は監督だけのものじゃない」という言葉がとても印象的でした

「こども映画教室」　参加したこどもたちの自作ポスター！！！

■日　程：３月２０，２１，２２日（全日午前１０時スタート）
■会　場：金沢２１世紀美術館
■特別講師：諏訪敦彦監督
■対　象：小学生／定員25名（先着）
■参加費：5000円（３日間通し・映画鑑賞代金も含みます）
★兄弟割引：4000円
■お申込み
参加者と保護者（引率者）の氏名、学年、住所、電話（FAX番号）、
メールアドレスを明記のうえ、メール、FAX、封書にてお申込み
ください。折り返し、当日の詳細をお知らせいたします。
■お申込みはこちら
金沢コミュニティシネマ／「こども映画教室」事務局
E-mail : mail@cine-monde.com
FAX：076-220-5008
■スケジュール
２０日　10:00~12:30 『ユキとニナ』特別先行上映＋監督トークショウ
＠金沢２１世紀美術館　1Fレクチャーホール
12:30~16:00 オリエンテーション、お話作り、撮影
２１日　10:00~16:00 撮影
２２日　10:00~16:00 撮影、編集
16:00~17:00 上映会、講評

■こども映画教室についてのお問い合わせはこちらまで。
金沢コミュニティシネマ／「こども映画教室」事務局
E-mail : mail@cine-monde.com
TEL：076-220-5007／FAX：076-220-5008（担当：上野）

主催：金沢コミュニティシネマ、金沢２１世紀美術館[（財）金沢芸術創造財団]
共催：有限会社シネモンド
協力：株式会社フィックス、Kist金沢科学技術専門学校、金沢美術工芸大学
協賛：KIT金沢工業大学、東京造形大学
後援：金沢市、金沢市教育委員会、北國新聞社
支援：こども映画教室サポーターズ・クラブ

監督がせっかく来るのに、こどもたちだけに独占させたら勿体無い！　ということで、４月からのシネモンド劇場公開に先駆けて『ユキとニナ』の特別先行上映を行います！　上映後、諏訪敦彦監督によるトークイベントもあります！

■日時：３月２０日（午前１０時?１２時３０分頃終了予定）
■会場：金沢２１世紀美術館　レクチャーホール
■特別講師：諏訪敦彦監督
■料金：一般1500円／学生1300円／
小人・シニア・シネモンド会員1000円
※こちらのイベントは「こども映画教室」の参加者以外の方も参加できます。
※先行上映はDVDでの上映となります。

＜物語＞
ユキはフランス人の父と日本人の母とパリで暮らす9歳の女の子。ある日、母が父と別れてユキと日本に帰ろうしていることを知って親友のニナと一緒に、両親 を仲直りさせようと奮闘する。それでもなかなかうまくいかないユキとニナは家出をすることに…。フランスの森から日本の森へ、瑞々しい緑が少女たちの繊細 な心を満たすとき、奇跡がおこる。

「ユキとニナ」
4/3（土）〜4/16（金）
［2009／フランス・日本／1時間33分］
監督・脚本：諏訪敦彦、
イポリット・ジラルド
出演：ノエ・サンピ、アリエル・ムーテル、
ツユ、イポリット・ジラルド
主題歌：ううあ「てぃんさぐぬ花」
歌：ううあ＆大島保克
公式ホームページ →→→
http://www.bitters.co.jp/yukinina/
2009年カンヌ国際映画祭＜監督週間＞正式出品作品
2010年ベルリン国際映画祭ジェネレーションＫプラス部門正式出品

●特別講師プロフィール
諏訪敦彦（すわのぶひろ）監督
97 年『２／デゥオ』で監督デビュー。1999年のカンヌ国際映画祭で、審査員全員一致で国際批評家連盟賞を受賞した『M/OTHER』など、フィクションと ドキュメンタリーを自在に往還する作風が、国際的に認められている。フランスを中心に活躍し、『H Story』『不完全なふたり』や、オムニバス映画『パリ・ジュテーム』では唯一の日本人監督として『ヴィクトワール広場』を制作。2008年からは、東 京造形大学の学長に就任し、映像の教育現場にも深く入り込んでいる。

——６０年前、日本統治時代の男性教師（日本人）と台湾人女性の教え子の恋愛模様と、現代の台湾人男性と日本人女性の恋が同時並行的に展開する本作ですが、魏監督は以下のように語っています。
『映画の主人公（日本人教師）は６０年も気持ちを抑えて手紙を出さなかった。そこが感動的なんです。台湾人だったら書いては出す、書いては出すって感じで、まずありえない。日本の人というのは、きっと色々なことを考えて気持ちを抑えるのでしょう。この手紙を出したら彼女の将来の結婚や生活に迷惑がかかるんじゃないか、この手紙によって僕のやましさを恥じる気持ちが充分に伝わるだろうか、とか。映画の中の日本人もいろんなことを考えすぎて投函できないまま死んでしまい、結局その娘が手紙を出すことになるわけです。これは日本人だったからこそ信じられる話。台湾人だったら、そんなに気持ちを抑えられません（笑）』（劇場用パンフレットより）。
これは、台湾人の間で一般理解として存在している日本人のイメージだと思うのですが、例えば作中の友子（田中千絵）の佇まいは、日本人からすると非常に台湾人的気質を持っている女性という印象なのですが。

ファン　なるほど。日本人の観客の場合は友子の怒りっぽいところをもって、そのように感じるのかもしれませんが、実は台湾人の観客の場合には、感情表現や所作以前の話として、彼女が日本人であると強烈に意識させられるポイントがあります。

——何でしょう？

ファン　彼女が口を開く時、つまり彼女が中国語を話した瞬間です。

——日本人が話す中国語の訛り方をしているということですか？

ファン　それは、彼女の中国語が下手だということではなく、人種の違いをどのポイントで理解するかという話についての一つの答えではあるのですが。個人的には、僕は日本人女性には違うイメージを持っていますね。

——ぜひ、聞かせてください。

ファン　日本の女性の特徴は『優しくて、しなやか。それにサービス精神が旺盛』という感じでしょうか。

——もちろん、実体験ですよね（笑）

ファン　いやいや（笑）。残念ながらお付き合いしたことはありません。

——台湾人の女性に対しては？

ファン　賢くて個性的なんだけれども、男性にはなかなかコントロール出来ない（笑）。

——ちなみに、ファンさんのお母さんはどちらに似ていますか。

ファン　どちらかといえば、日本の女性かもしれません。

——いま伺ったような日本人に対する台湾人のイメージというお話にも関連することなのですが、『海角七号』には“台湾人”という名で語られる様々な属性を持った人物が登場します。客家人のマラサンや魯凱（ルカイ）族だという設定の警察官のローマー、役の上では違いますが、ファンさんご自身も阿美（アミ）族の血をひいてらっしゃるそうですね。作中で描かれるかれらの気質というのは、やはり台湾社会の通俗的なイメージを強調したもの、ということになりますか？

ファン　そうですね。一般的な印象をデフォルメしているという側面はあると思います。例えば、客家人の方に対しては「勤勉でコツコツと仕事を頑張る人たち」という印象が持たれていますので、まさに作中のマラサンですね。バンドのオリジナルTシャツを作ってメンバーに配ると、それがマラサンの販売するお酒の宣伝だったりするところなどは、客家人のイメージをコメディ風に強調して、笑わせてくれます。他にも、町議会議長の家で、お酒を飲む時にローマーが酔っ払う場面なども。

——それはルカイ族の人はお酒が好きだというイメージが一般的だという意味でしょうか。

ファン　ルカイ族に限らず、原住民の血をひく人々はお酒が好きだというイメージはありますね。もちろん実際には個々人の違いがあるわけですが。

『イエローキッド』の物語が生まれるまで

――この映画の構想はどのように生まれたのでしょう？

映画の中の現実と非現実が混ざっていくイメージが頭の中にありました。そこから、登場人物を軸とした物語をあてはめていったという感じです。これまでは大まかな構成を決めて、まず映像を撮って、それを見ながら物語を考えるという作り方をしていて、基本的なことなのかもしれませんが、先に物語を決めてから撮影するということに苦労しました。

――藝大以前の作品は、ドキュメンタリーとフィクションが入り混じるものが多いですが、『イエローキッド』はその延長線上にあるといえますか？

特にそのつもりはないですが、ちょうど脚本について悩んでいた頃に、僕の過去の作品を一通り上映するイベントがあって、久しぶりに自分の作品を観たんです。一貫したテーマとかは考えずにその時その時に思いついたことを撮ってきたつもりだったけど、まとめて観てみると、自分の気にかけていることは一緒だなと思いましたね。

――アメコミのモチーフはどこから出てきたのですか？

現実と非現実を混同してしまう人を描きたくて、でも安易に、仮想世界にハマる人間とかにはしたくなかった。プロデューサーの原（尭志）君と桜木町の珈琲屋でアイデアを練っていた時に、「小学校の頃とかドラゴンボールの真似するヤツいたよね」という話になって、漫画というアイデアが出てきました。日本の漫画は白黒なものが多いし、個人的に大きな話にしたかったので、フルカラーで且つイメージとしてヒーローものが多いアメコミにしようと。それから調べていくうちに、コミックストリップのYellow Kidの存在を知りました。

――アメコミのキャラクターと同化する主人公をボクサーにしたのは？

空手などの他の格闘技より、アメコミの世界にマッチすると思いました。劇中のセリフにも出てきますが、ボクシングの本質的な魅力は英雄願望にあるという文献を読んだんです。映像的にも、グローブなどの色のイメージがアメコミと合うと思ったからです。

――以前からアメコミやボクシングには興味があったのですか？

別に深くはなかったです（笑）。あくまでフィクションが現実に入り込むという設定に適していたから使っただけで。とはいえ、電線や鉄塔などを出してアメコミっぽい世界観を構築しようとしました。アメコミといえば電磁波のイメージがありますよね？脚本も、ボクシングの底辺からのし上がるというイメージと合わせ、典型的なヒーローもののアメコミのストーリーラインに近づけていこうと意識しました。

――服部の部屋の壁にある図形はなんですか？

あれは複体といって、複数の単体を貼り合わせてできる図形です。今回、僕の中では「単体の複数性」がテーマになっていて、それはリチャード・フェルトン・アウトコールのYellow Kidにあります。元々黄色のインクのテストとして作られたイエローキッドというキャラクターが人気が出てきたことによって、同時に二社の新聞がイエローキッドを同時に掲載したという記事を見ました。権利的なことで、どちらが本物だというような議論が起きたそうですが、キャラクターからすればどっちが嘘で本当もないだろうと。要は物事には絶対的なものは何もなくて、何が本当で何が嘘ということはない、客観的には一つの確定したものなどないから、何が大事で何が本当かは自分で決めればそれでよいのだ、ということを思ったんです。最初、映画のタイトルも『コンプレックス』（complex=複体）にしたいと言っていて、却下されましたけど、それくらいテーマとして考えていました。
実際、監督は現場で細々した判断を求められるので、大した違いがない時は、はっきり決めてしまうということにも生きましたし、映画自体も漫画やボクサーや音楽とか様々なジャンルが知恵を出し合ってできあがるので、それぞれが生きる映画にしたいと思い、単体の複数性というのは常に意識していました。

――映画の中の出来事がどこまで現実だったのか、観客はエンドロール後に出てくる盗撮映像によって知ることになりますが、現実と非現実の境目はどの程度明らかにしようと考えていましたか。脚本には、田村が榎本に襲われた後、自宅で祖母を入浴させるシーンが入っていましたよね？

入浴シーンは実際に撮影して、最初の学内での上映時は入れていたんですけど、反応がおかしかったので外しました。はっきり見えている田村の首筋の傷が別のものに目がいくみたいで、観た人にはそれまですべて夢だったかのように解釈されてしまったんです。
僕の中ではすべての筋が通してはいるので、どういうふうに観てもらいたいというのはないです。ただ、夢落ちは避けたかったんです。

――主観と客観といえば、これまでの真利子監督の作品はどれも一人称でした。

観客として他人の映画を観る場合は気にならないのですが、自分で撮影して自分が出るとなると、カメラは誰の視点なのかということが気になるんです。だからこれまでの作品では、監督である僕＝カメラを動かす人が主人公でなければいけなかった。今回はなぜか意識しなかったのですが、冒頭でわざわざイエローキッドの説明を入れて「これはフィクションです」と宣言しているということは、本当は気にしているのかも。

　二組の男女の心の揺れをすくい取った『すべては夜から生まれる』では、選び抜かれた言葉と音、卓越した光と闇の演出、完璧なまでのフレーミングと編集による美しい映像が高く評価された。その作風から、しばしば“ストイック”と評される甲斐田作品の映像世界は、確かにあらゆる要素を極限まで削ぎ落とした緊張感のあるものになっている。しかし私にとっての甲斐田作品の面白さはそこではない。

　映像に対する明確なビジョンを持ちつつ、それを従来の映画理論によって成立させようとしない柔軟さが新鮮で面白い。必要最低限の言葉と音によって語られるのは、主人公たちの抗いがたい衝動だ。物静かな映像のなかで、彼らの心の動きが紛れもなく説得力を持って観客に伝わってくるのは、人間の感情の動きに対する監督自身の感受性であり、自身の感受性に対する、作家としての忠実さによるものだろう。

　この世界観は『砂の影』にも共通している。平凡な一人の女性が愛のために少しずつ壊れていく様を、きめ細やかに、どこかエロティックに描写したこの作品。愛に満ちた至福の時間と感情のない時間の対比。言葉に侵されることのない静かな二つの時間のなかで、主人公の愛に対する必死さが時間をかけて伝わってくる。前作と違うのは、何だかわからないが何かが確実に起こっていることを思わせるサスペンスの要素が、今までにないダイナミズムを作品世界に与えていることだろう。

　その甲斐田監督が『すべては夜から生まれる』と『砂の影』の間に撮った『ロト』（2004年）と『MUGEN』（2008年）の短編二作品が同時上映という形で公開される。「こういった形での公開は考えていなかった」というこの二作品は、どういう経緯で生まれ、監督にとってどのような意味を持つのだろうか。

「『ロト』に関しては“習作”という言い方をしていいと思います。『すべては夜から生まれる』を撮った後に、いろいろあって、やっぱり何かを変えたいと思った。あの作品は、あの時点で自分がやりたい事を全部やった作品でした。でも、それからすぐに次の作品を撮るような状況にもならなかったし、いろいろなことが遅々として進まない状況が続いていました。だからとにかく撮りたかった。ここで撮らないと、その先も撮れなくなるんじゃないかという気がしたんです。それで一度やり方を変えてやってみようと思って、脚本も初めて自分で書きました」

　警備員のアルバイトをしている山形が、寡黙で無表情な新入りの北島と生活するようになるところからこの物語は始まる。毛布一枚で隔てた部屋を共有しながら二人の関係が少しずつ変化していくなか、山形は北島の行動の異変に気づく。

「スタッフとキャストを集めるところから始まって、撮影場所を探すのから、本当に自主作品の制作スタイルですよね。正直、それまではどこかでそういう映画作りのあり方に抵抗していた部分もありました。できあがった作品をすぐに受け入れられたわけではなかったし、もっときちんと描き切ればよかった、と思うところもありました。でも結局は、そう思えたことがよかった。『ロト』を撮ったことで、やはり自分のなかで何かが変わっていったと思います。この作品がなければ、『MUGEN』を撮ろうと思わなかったかもしれない。少なくとも、ああいったテンションでは撮れなかったと思います」

　習作的な『ロト』に対し、パリを舞台にした『MUGEN』はより自由なスタイルの旅行記のような印象の作品になっている。そこには、窓越しに見る女との偶然の出会いを繰り返す男を通して、パリの求心力に吸い寄せられるように集まる人々の時間が心地よく流れている。

「確かに、ふらっと旅行に行くような感じでパリに行きました。もちろん録ることは決めていましたが、いい意味で軽い気持ちだったんです。この作品の出発点自体がそうでした。友人たちと話しているなかで、何となく“映画を撮ってみるか”ということになって。ただ、行ってからはそんなにスムーズではなかったですね。思っていたキャスティング案が流れて、台本も変えなくてはいけなくなった。一から主人公役を探し出して、何とか撮影できるようにはなりましたが」

『ロト』を見たとき、その制作スタイルとは反対に、『すべては夜から生まれる』よりもずっとエンタテインメントになっていると感じた。『MUGEN』にはそのエンタテインメント性と『すべては夜から生まれる』に通じる緊張感、ただしもっと肩肘の張らない緊張感を感じた。

　どの作品も、知らない者どうしが出会い、ふとした触れ合いから心が揺らぎ、日常の温度が少し上がる瞬間を描いていることには変わらない。監督として、映画のなかでそれをどう描写し表現するか。「制作スタイルに作品が影響されるのは、どうしても避けられない」と監督自身が語るように、『ロト』と『MUGEN』を経て変わってきたものがあるのだと思う。そしてその経験によって本人が得たのは、他ならぬ「今後も作品によって制作のあり方は変わると思う」といえるさらなる柔軟性だ。

「『砂の影』で自覚を持った」という甲斐田監督の言葉を聞いて、次回作がますます楽しみになった。
　

甲斐田祐輔　かいだ・ゆうすけ
1971年生まれ。監督作品に『TWO DEATH THREE BIRTH』（98〜99）、『coming and going』（99）、『RAFT』（00）、『すべては夜から生まれる』（02）、『砂の影』（08）などがある。全編8ミリ撮影の『砂の影』はロッテルダム、ブエノスアイレス映画祭などに正式招待され、国内外で上映された。98年にKATHMANDU TRIO PRODUCTION設立。『ロト』と『MUGEN』はいずれも同プロダクションによる製作である。
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『ロト』

監督・脚本：甲斐田祐輔／撮影：近藤龍人／音楽：bedside yoshino
出演：川口潤　大谷賢治郎　吉野寿　清水ゆみ　田口トモロヲ

バイトで警備員をしている山形は待機所で寝泊まりをしている。上司の吉田は叔父だが保身意識が強いため、何かと山形にうるさく小言を言う。
山形には警備車のスピードを６０kmジャストに合わせる習慣がある。
そんな折、辞めた警備員の後任として北島と名乗る男が入ってくる。寡黙で無表情な北島と薄い布一枚で遮られた部屋で一緒になった山形、対照的な二人は決して交わらないように見えた。
しかし、互いに気がつかないうちに変化していく。そして、ある時、山形は北島の行動の異変に気がつくが...。2004年／63分（公式サイトより）

『MUGEN』

監督・脚本・撮影 : 甲斐田祐輔／音楽 : RADIQ aka Yoshihiro Hanno
出演：Sebastien RAGEUL　Hea-Won CHA　Hiroyuki MORITA
ユウイチはパリ行きの飛行機に乗っている。パリにいる恋人ユーリに逢う為である。
パリのアパートで向かいの男女をビデオで盗撮の仕事をしているセブとヨシ。
彼らはそのテープを組織に納品する仕事をしている。
セブは街でビデオに映っている女（ユーリ）を見かけ、ヨシに内緒でユーリにビデオを渡してしまう。
一方、パリに来たユウイチはユーリに連絡がとれず、アパートにいってもいつも不在、街とホテルを往復して彷徨い歩く。　
ある日、セブはレコード店で偶然声を掛けたユウイチを自分達のいるアパートに連れて帰るが…。2008年／47分（公式サイトより）

２作品同時上映
11月21日（金）〜27日（土）
池袋シネマ・ロサにて連日21:00よりレイトショー
公式サイト　http://www.kathmandu3.com/lotmugen/

音楽ドキュメンタリーの金字塔
『ドント・ルック・バック』『ラスト・ワルツ』
10/31〜11/6　新宿武蔵野館にて連続上映！

——ボブ・ディラン、２３歳の軌跡——

１９６５年の春、ボブ・ディラン２３歳―The Times They Are A-Changin’　　
まさに、時代が変わろうとしていた世界の空気を、イギリス・ツアーのボブ・ディランを追うことにより見事に映し出した音楽ドキュメンタリーの金字塔―『ドント・ルック・バック』。
そして、あのマーティン・スコセッシ監督が「ザ・バンド」のラスト・コンサートを撮ることにより捉えたひとつの時代の終焉―『ラスト・ワルツ』。
伝説となった２本の音楽映画が、10月31日（土）～11月6日（金）まで期間限定で劇場公開されます。ぜひこの機会をお見逃しなく！

『ドント・ルック・バック』　DON’T LOOK BACK

10月31日～11月3日まで　　連日20：30より

冒頭に流れる世界初のＰＶと言われた「サブタレニアン・ホームシック・ブルース」の圧倒的なカッコよさ、そこには自信に満ち溢れすでにカリスマ的な魅力を放つ若き日のボブ･ディランがいる。しかし『ドント・ルック・バック』は、単に歌うだけの‘ミュージシャン’ボブ・ディランの姿のみならず、様々なシーンで奮闘する姿までをも追っている。インタビューにやって来た記者たちとの激しい応酬、コンサート直前の学生達との哲学的論争、果てはマネージャーが出演料の交渉をする場面まで・・・。ディランの音楽をめぐるツアー中の出来事と素顔が赤裸々に映し出されている。いまも音楽ビジネスの世界で先頭を走り続けるディランの原点とも言える時代を追った貴重なドキュメンタリー映画、『ドント・ルック・バック』。アレン・ギンズバーグやジョーン･バエズ、アニマルズを脱退したばかりのアラン・プライスら、カルチャー･シーンで多くのフォロワーを生み出し、いまもその作品が世界中の若者たちに波及し続けている人々が数多く登場していることも見逃せない。

監督：D・A・ペネベーカー　　製作：アルバート・グロスマン、ジョン・コート
出演：ボブ・ディラン、ジョーン・バエズ、ドノヴァン、アラン・プライス、ボブ・ニューワース、アレン・ギンズバーグ　　　
1967年／アメリカ映画／白黒／96分
(c) Pennebaker Hegedus Films

『ラスト・ワルツ』　The Last Waltz

11月4日～11月6日まで　　連日20：30より

1976年11月25日サンフランシスコ、ウィンターランドで行われた、ザ・バンドの解散コンサートを追った音楽ドキュメンタリー映画『ラスト・ワルツ』。ゲストにはボブ・ディラン、エリック・クラプトン、リンゴ・スター、ヴァン・モリソン、ニール・ヤング、ロン・ウッド、ニール・ダイヤモンド、マディ・ウォーターズらロック史を彩る、錚々たるメンバーが勢ぞろい。フィナーレの出演者全員による「アイ・シャル・ビー・リリースト」の大合唱が圧巻。最新作『ザ・ローリング・ストーンズ　シャイン・ア・ライト』の公開で、改めて音楽映画の巨匠としての力をも見せつけたマーティン･スコセッシ監督が撮った本作は、30年以上の長きにわたり、音楽映画の代名詞となっている。

監督：マーティン・スコセッシ　
出演：ザ・バンド、ボブ・ディラン、ニール・ヤング、エリック・クラプトン、ジョニ・ミッチェル
1978年／アメリカ映画／カラー／117分　　
(c) MGM / Hollywood Classics

新宿武蔵野館URLhttp://shinjuku.musashino-k.jp/index.php

配給：アダンソニア
配給協力：コミュニティシネマセンター

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　監督の瀬々敬久から「ピンク映画のシナリオを書いてみないか？」と誘われるまで、私はまともにシナリオというものを読んだことがなかった。それ以前にも、自分で映画を作ったことはあったが、その時はメモ書きのようなものを手掛かりにして、行き当たりばったりで撮影を進めていた。勉強しようと思い立ち、書店で「月刊シナリオ」を買って、そこに掲載されたシナリオを読もうとしたこともあったが、いつも途中で挫折した。シナリオという書き物の形態がどうも苦手で、読み進むことに苦痛を感じるのだ。読めない者に書けるはずもなく、初めて書いたシナリオは散々な出来だった。それでも、瀬々敬久は私を見捨てず、次の映画でもシナリオを書くよう誘ってくれた。奮起した私は、覚悟を決めて、手当たり次第に同時代のシナリオを読み始めた。だが、それでもシナリオという表現がしっくりとこない。やがて、過去のシナリオを読み漁り始めた時に出会ったのが、田村孟の『少年』（監督：大島渚）だった。

　『少年』はそれまでに読んできたどのシナリオとも違った。ト書きの一行一行に粘りつくような言葉の感触があり、セリフの一言一言が鋭く胸に突き刺さってきた。気づかぬうちに世界に引き込まれ、ぐいぐいと読み進むうちに、私の胸には熱いものこみあげていた。そして、読み終えたとき、初めて私は心の底から自分でもシナリオを書きたいと思った。

　『少年』は、当たり屋をしながら日本中を放浪する家族を描いたシナリオである。彼らに名前はなく、「父」「母」「少年」と名指されるだけだ。「父」は危険な役割は絶対に引き受けない狡猾な男で、事件の後に登場して示談金の交渉をするだけ。車に当たるのは、「少年」と「母」の役割で、わずかな金を稼ぐために、二人は決死の思いで走る車に飛び込んでいく。母は後妻で、少年とは血がつながっていないから、少年には冷淡だ。同じ理由で、少年もまた母にはなついていない。父はその関係をうまく利用して二人を操り、甘い汁を吸っている。ところが、コンビを組んで当たり屋を続けるうちに、少年と母の間に連帯感が生まれ、二人は反旗を翻して、父を権力の座から引きずりおろしてしまうのだ。そこでは、例え親子であろうと人間の間に否応なく存在する権力関係が厳しく見つめられていた。狭い人間関係の中のちっぽけな優位と劣位が逆転する様が、大きなドラマのうねりとなって圧倒的だった。

　それから私は繰り返し『少年』のシナリオを読んだ。自らの感動の秘密を解き明かそうと、シナリオを分解し、シーンごとにその狙いを探った。そして、分析の過程で、私は忘れられない描写に出会った。

　妊娠が発覚した母が、父に言われて中絶手術のために病院に行くシーンだ。少年は父に命じられ、母がちゃんと手術するかどうかを見張るため病院に同行する。二人が病院の前にやってきたシーンで、これまでト書きでは「母」と名指されていた存在が「女」と書かれるのである。最初に読んだときは、誤植ではないかと思った。しかし、その意味を探り、田村孟の狙いに考えが至った時、私は鳥肌が立った。束の間、父の支配を離れる二人、弱い立場に立つ母、この時、少年と母は初めて対等な関係となり、一人の男と女となるのだ。少年は、母が手術をやめるのを黙認し、かわりに腕時計を買ってもらう。以後のシーンでは「女」という表記は、再び「母」に戻るのだが、このシークエンスを境に、少年と母の関係には親密さが生まれ、淡いエロスさえ漂うことになる。

　私はこのシーンが大好きだ。柱とト書きとセリフだけという切りつめられたシナリオ表現の中に、田村孟の哲学が息づいている。だが残念なのは、現在、活字化されている『少年』のシナリオの多くは、この部分が改変され、「母」という表記で統一されているのだ。私が初めて読んだのは「映画評論」（1967年3月号）という雑誌に掲載されたものだったのだが、年代的に考えて、おそらくこれが初稿だろう。1967年度の年鑑代表シナリオ集に収録されているのも同じ稿である。以後の雑誌や書籍に収録されたものは全て決定稿と思われ、「女」という表記がシナリオから消えている。田村孟が何故、初稿から決定稿に至る過程でその部分を改稿したのかはわからない。シナリオは映画のための設計図と割り切ったのだろうか。しかし私は、『少年』の初稿を読み返すたびに、表現のみずみずしさを感じ、シナリオ作家の魂に触れたような思いになる。

　こうして、私は文学作品を読むようにして、シナリオと出会った。いやそのような出会い方をしなければ、その後、シナリオを読むことも書くことも出来なかっただろう。しかし、いつの間にか、作り手として当事者的にシナリオを読み、書くようになった。それを職業としたのだから当然のことだが、そのことにどこか味気なさを覚える。

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『少年』（1969）
監督：大島渚／出演：渡辺文雄、小山明子、阿部哲夫／99分　DVD発売元：ポニーキャニオン（廃盤）

『田村孟　人とシナリオ』（シナリオ作家協会）
『少年』、『白昼の通り魔』（監督：大島渚）、『青春の殺人者』（監督：長谷川和彦）、『瀬戸内少年野球団』（監督：篠田正浩）の４本のシナリオとインタビュー、縁のある映画人のエッセイなどを収録。

井土紀州監督・最新作『行旅死亡人』10月下旬より新宿シネマートにて公開

もしも自分の知らないところで、自分になりすまして生活している人間がいたら——？　ノンフィクション作家を目指す24歳のミサキはある日、病院からの電話で、自分の名を騙る女が入院したことを知る。女はなぜ他人になりすまして生きてきたのか？　真相究明の旅に出たミサキは、女の苛酷な人生に向き合うことになる……。タイトルの行旅死亡人とは身元不明の死者を指す。
監督・脚本：井土紀州／出演：藤堂海、阿久沢麗加、本村聡、小田篤、たなかがん、長宗我部陽子
http://www.kouryo.com

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ニューウェーブ以降の台湾映画は、どこへ向かっているのか？　新世代の監督の中で最も注目を集めているトム・リン（林書宇）とチェン・ヨウチェ（鄭有傑）。ともに30代前半の二人は、親友でもあり、ライバルでもあり、互いの作品に俳優や助監督として力を貸す映画制作仲間でもある。この夏から秋にかけて、それぞれ長編デビュー作が日本で劇場公開されている彼らが、台北郊外の思い出の地で語り合った。
（＊写真：チェン・ヨウチェ監督の新作『ヤンヤン』のロケ地である大学の陸上競技場にて。左がトム・リン、右がチェン・ヨウチェ）

――今日は、日本のメディアの取材ということで、揃えてくださったのですか？

ヨウチェ　この『はじめの一歩』のＴシャツはトム君から貰ったものなんです。（トム・リン監督は『バタアシ金魚』のＴシャツ）

トム　べつに高いものじゃないですけど。僕らは二人とも日本の漫画が好きで。ヨウチェ君が着ているＴシャツは、今月、日本で公開される彼の長編デビュー作『一年之初』のクランク・イン前にプレゼントしたものです。

――皆が支えているぞ、という友情のメッセージですね。

ヨウチェ　友情だけじゃなくて、実際にトム君はこの映画の助監督まで務めてくれました。

――そうなんですか！

トム　僕は役者ではないので助監督の立場でヨウチェ君を手伝いましたが、俳優でもある彼には８月末に公開された僕のデビュー作『九月に降る風』に出演してもらいました。先日撮影した音楽クリップでも世話になったし。

――ひょっとして、二人の間に愛は（笑）。

トム　残念ながら、僕らは既婚者です（笑）。

ヨウチェ　おまけに妻同士も仲が良い（苦笑）。

台湾映画は、なぜ低迷したのか

――これは失礼しました。では早速、本題に入りましょう。今回のテーマは新鋭監督二人が語る『台湾映画の過去と未来』ということなのですが。業界全体でみれば、永きに亘って国産映画の不振が続きましたね。

トム　そうですね。今日の台湾映画界の低迷は、ちょっとしたスランプというレベルの話ではなく、振り返れば８０年代後半から少しずつ積み重なってきた躓きの結果という印象があります。

――しかし、８０年代の台湾映画界といえば、かの有名な“ニューウェーブ”の時代。世界的には、この時代の作品がもっとも評価されています。

トム　たしかに、８０年代のニューウェーブを引っ張ったのは、侯孝賢（ホウ・シャオシェン）や楊徳昌（エドワード・ヤン）という監督たちでした。かれらの作品は日本でも高い評価を受けたので、皆さんご存知でしょうが、その特徴は個人的な経験に焦点を当てた、写実性の高い作風です。アート映画という呼び方をしても間違いではないかもしれない。

ヨウチェ　その後に続いた作品も、いわゆる国際映画祭では評価されていたんですよ。

トム　でも、観客動員には繋がらなかった。そして、流れを変えられないまま、９０年代に入り、台湾がＷＴＯに加盟、輸入映画の検閲が外される形でハリウッド映画が登場します。お金のかかったエンターテインメント大作に惹かれる観客心理を、８０年代の栄光に憧れた新鋭監督たちは理解できなかったのかもしれません。そういう状況の中で、製作会社や配給会社が、国内で作るよりも権利を買い付けてきた方が得策だと判断したのでしょう。

ヨウチェ　９０年代後半以降の映画館は、ハリウッド映画に占拠されるような状況だったよね。

――ところが、昨年の台湾映画界では面白い現象が起きました。興行成績の上位を占めたのは？

ヨウチェ　トム君の『九月に降る風』をはじめとする若手監督たちの台湾映画でした。

――トム・リン監督、おめでとうございます！